Den Auftakt des Rundganges bilden zwei Werke, zwischen deren Entstehung mehr als acht Jahrzehnte liegen. August Mackes „Mädchen unter Bäumen“ entstand 1914, wenige Wochen vor dem Ausbruch des Ersten Weltkrieges. Mit leuchtenden Farben inszeniert der Künstler die heitere Stimmung eines Sommertages im Park.
David Claerbout hingegen verwendet für seine Videoarbeit eine historische Schwarz-Weiß-Fotografie. Sie zeigt den Kindergarten Sant’Elia im italienischen Como, der in den 1930er Jahren nach Idealvorstellungen des faschistischen Rationalismus erbaut wurde.

In der konzentrierten Gegenüberstellung eines Gemäldes, das mit expressionistischer Farbgestaltung Bewegung suggeriert sowie einer in Bewegung versetzten Fotografie wird das Spannungsfeld deutlich, in dem sich die künstlerischen Ausdrucksmittel bewegen. Die ihnen eingeschriebenen, unterschiedlichen Zeitebenen verschmelzen miteinander. Sie erzeugen eine gleichermaßen sanfte wie beunruhigende, überzeitliche Atmosphäre.

Kindsein und Heranwachsen sind universelle Erfahrungen des Menschen. Als „unbeschwert“, „sorglos“, „wohlbehütet“ oder „schwer“ bewertet, wird die Kindheit als grundlegende Phase der Prägung für Identität und Persönlichkeit betrachtet. Erfahrungen von Geborgenheit, Bindung, Spiel und Lernen, aber auch von Abhängigkeit, Verlust oder Verletzung nehmen formenden Einfluss auf unseren Charakter. Als prägende Erlebnisse und tragende Erinnerungen bilden sie die Basis für unsere jeweils individuelle, aber auch kollektive Identität.

Auch wenn der Prozess des Wachsens und des Erwachsenwerdens von Konflikten und Reibung begleitet wird und die Balance von Sicherheit und Freiheit für alle Beteiligten eine Herausforderung ist: Kindheit bedeutet Aufbruch und Übergang. Sie steht für Hoffnung, für das Neue, das Zukünftige und das Unvorhersehbare und ist damit auch ein wiederkehrendes Thema in allen Kulturen und Künsten.

Miteinander oder gegeneinander? Allein oder gemeinsam? Mittendrin oder außen vor? Seit jeher hat die Kunst hinter die Kulissen von Machtmechanismen und Rollenspielen geblickt, in denen sich Gesellschaft spiegelt.

In jeder Gemeinschaft, ob politisch, familiär, freundschaftlich oder spontan gibt es Vereinbarungen, Codes und Regeln. Manche sind schriftlich fixiert, andere sind tradiert, von politischen Systemen und sozialen Verhältnissen geprägt. Ob explizit geäußert oder subtil spürbar gemacht, immer wieder wird definiert: Wer gehört dazu? Wer hat in einer Gruppe das Sagen? Wie bestimmen sich die Strukturen des Zusammenlebens?

Darstellungen von geselligem Beisammensein und gemeinschaftlicher Nähe stehen im Kontrast zu Bildgeschehen, in denen zwar mehrere Figuren vorkommen, die jedoch mit Dissonanz und Spannung aufgeladen sind.

Jeder Mensch ist anders! Jede Gesellschaft besteht aus vielen einzelnen Persönlichkeiten mit jeweils unterschiedlichen Voraussetzungen, individuellen Biografien und eigenen Lebenskonzepten.

Es zählt bis heute zu den größten Herausforderungen eines Staates, den Bedürfnissen aller Menschen gleichermaßen gerecht zu werden. In diktatorischen Systemen wie dem Nationalsozialismus wurden Körper- und Geschlechterideale ideologisch definiert, normiert und von systemkonformen Künstler:innen propagiert. Gegen solche vereinfachenden und manipulativen Rollenbilder wie auch gegen einseitige Klischees und Moralvorstellungen haben kritische Künstler:innen bewusst offene Perspektiven entwickelt. Sie spiegeln die Vielfalt und Schönheit verschiedenster möglicher Identitäten und setzen ein Zeichen für Solidarität und Toleranz.

Um 1900 entwickeln sich in Europa Metropolen wie Berlin und Paris zu vibrierenden Mittelpunkten der industrialisierten Gesellschaft. Künstler:innen des Futurismus, Kubismus und Expressionismus wollen jetzt „all das Herrliche und Seltsame, das Monströse und Dramatische der Avenüen, Bahnhöfe, Fabriken und Türme hinkritzeln“ (Ludwig Meidner, 1914).

Die neuen Erfahrungen von Geschwindigkeit, Lärm, elektrischem Licht sowie die Präsenz moderner Glas- und Stahlarchitektur und die Gleichzeitigkeit der Eindrücke inspirieren Maler:innen und Fotograf:innen zu bahnbrechenden experimentellen Bildgestaltungen. Besonders in der Avantgardefotografie der 1920er und 1930er Jahre werden dynamische Perspektivsichten, extreme Bildausschnitte und ungewöhnliche Montagen bestimmend. In den 1970er Jahren bildete sich in den USA und Deutschland ein fotografischer Stil heraus, der die Stadt als vom Menschen umgestaltete Landschaft liest. Jegliche repräsentative Aufwertung oder Idealisierung tritt
zugunsten einer beschreibend dokumentarischen Darstellung von gewöhnlichen Alltagsmotiven zurück. Sie erlaubt den Betrachtenden, die Unvollkommenheit und Fragilität urbaner Lebenswelten zu erkennen.
 

Das Gehen und Kommen von Menschen bestimmt unser globalisiertes Gesellschaftsleben. Die Gründe für das Verlassen der eigenen Heimat sind vielfältig. Sie reichen von Neugierde und Fernweh über wirtschaftliche Nöte bis hin zu lebensbedrohlichen Gefahren, die von politischen Systemen oder Kriegen ausgehen. Die Entscheidung, in ein fremdes Land zu gehen und sich den damit verbundenen Herausforderungen zu stellen, wird selten leichtfertig getroffen. Sie ist begleitet von Hoffnung und Mut.

Doch wird das Ankommen häufig durch systemische Diskriminierung erschwert, das Bleiben durch rassistische Denkmuster und gewaltvolle Akte immer wieder getrübt. Die Lebensrealitäten von migrierenden Menschen bewegen sich dadurch häufig fernab von denen, die an einem Ort die Mehrheit bilden.

„Was ist ein Wald? Gemischte Gefühle, … Entzücken und Bedrückung. … Lust frei zu atmen im offenen Raum, doch gleichzeitig die Beklemmung, ringsum von feindlichen Bäumen eingekerkert zu sein. Draußen und drinnen zugleich, frei und gefangen.“ (Max Ernst, 1959)

Die Faszination für den Wald, der seit Jahrhunderten menschlicher Kultivierung unterworfen ist, reißt auch in der Kunstgeschichte des 20. und 21. Jahrhunderts nicht ab. Der Wald ist Ort der Vitalität, der Freiheit und Sehnsucht, des Rückzugs und des Schutzes. Zugleich aber ist er spätestens seit der Romantik Schauplatz des Fantastischen, Unheimlichen und Verdrängten, der Angst und der Bedrohung.

Der Wald ist eine reizvolle Projektionsfläche für Widersprüchliches jenseits von Norm und Eindeutigkeit: Im scheinbar dschungelhaften Wuchern verbindet er die Gegensätze von Wachstum und Zerfall. Der Wald steht im künstlerischen Schaffen heute für einen kulturüberschreitenden Ort des Offenen, der Bewegung und des Übergangs.

Seit jeher leben wir in einem Verhältnis zur Natur, das von Abhängigkeit, Wertschätzung und Ausbeutung gleichermaßen geprägt ist. Doch das Zusammenwirken dieser Kräfte gerät zunehmend aus dem Gleichgewicht: Die rasant anwachsende Weltbevölkerung, eine sich ausbreitende Verstädterung und die rücksichtslose Zerstörung der Ökosysteme - etwa durch das Abholzen der Regenwälder - gefährden den natürlichen Lebensraum nicht nur der menschlichen Spezies.

Zugleich steigt das Bewusstsein für die Fragilität unseres Planeten; wir haben den nachhaltigen Umgang mit natürlichen Ressourcen als eines der dringlichsten Zukunftsanliegen erkannt. Vor dem Hintergrund einer krisenhaften Gesamtsituation erscheint das traditionelle Motiv der Landschaft in der Kunst in neuem Licht. Die Auswirkungen von Umweltzerstörung und Klimawandel halten Einzug in das künstlerische Schaffen unserer Gegenwart.

Seit Beginn der Industrialisierung hat die Fabrik als Ort maschinengesteuerter Produktion das Verhältnis von Mensch und Arbeit grundlegend verändert. Dabei ist die Beziehung zu Technik und Technologie bis heute zwiespältig und wird bei allem Fortschrittsoptimismus nicht selten als Abhängigkeit verstanden. Diese Ambivalenz kommt auch in der Kunst zum Ausdruck.

In den 1920er Jahren entsteht ein neuartiges künstlerisches Genre: die Industrielandschaft. Zurückhaltende Emotionalität und kompositionelle Klarheit sind prägende Elemente von vordergründig kühlen, aber durchaus atmosphärischen Darstellungen in Malerei und Fotografie. Dieser sachliche Blick wandelt sich im Verlauf des 20. Jahrhunderts. Mit dem wirtschaftlichen Umbau, der Hinwendung zu erneuerbaren Energien und dem langsamen Verschwinden der herkömmlichen Industrieanlagen und Arbeitsprozesse werden die Relikte einer aussterbenden
Arbeitskultur selbst zum Keim für kreative Produktivität. Die „Factory“ wird zur poetischen und auch melancholischen Metapher für die aktive Gestaltung des eigenen Lebens.

Die Videoinstallation EMPIRE zeigt, wie eine Wespenkönigin anfangs allein, später gemeinsam mit ihren Arbeiterinnen im Verlauf von 90 Tagen ein Nest baut und darin ihre Eier ablegt. Aus der immer gleichen Perspektive ist in Echtzeit – ohne jeden Schnitt oder Zeitraffer – zu beobachten, wie der kleine Wespenstock Wabe um Wabe heranwächst – ein Prozess, der von klarer Arbeitsaufteilung innerhalb des Machtgefüges gesteuert ist.

„Ob Gewalt ein Teil der menschlichen Natur ist und ob es diese Natur ist, die Menschen dazu bringt, sich fast routinemäßig gegenseitig zu foltern, zu quälen und umzubringen?“, fragt die Künstlerin Jenny Holzer.

Konflikte und Gewalt – ob physisch oder psychisch – sind seit jeher Teil unseres Daseins. Der technische Fortschritt ab dem beginnenden 20. Jahrhundert hat sowohl die Kriegsführung wie auch die mediale Dokumentation und die damit verbundene Sichtbarkeit massiv verändert.

Zugleich sind Formen von Gewalt, die sich im Privaten äußern, unabhängig von Herkunft, Alter oder Geschlecht bis heute oftmals ein Tabu, das mit Scham und Verlustängsten verbunden ist. Künstler:innen nähern sich dem Thema auf vielfältige Art und Weise an. Sie setzen sich mit Konflikten sowie mit direkter als auch subtiler Gewalt auseinander und machen die Konsequenzen für die Gesellschaft wie auch für das Individuum sichtbar.

Das eigene Selbst darzustellen, ist im Zeitalter von Social Media zum Alltagsphänomen geworden. Dabei lässt sich das famose „Selfie“ in eine jahrhundertelange Tradition des Selbstporträts einordnen. Wie inszenieren wir uns? Welche Facetten präsentieren wir? Zeigen wir die Schokoladen- oder Schattenseite unseres Antlitzes – oder beide?

In der bildenden Kunst aller Epochen begreift das Selbstbildnis das eigene Ich nicht nur als Spiegel der Persönlichkeit. Es verweist immer auch auf eine Weltsicht, die vom dargestellten Ich ausgeht. Das Selbstporträt bietet Einblick in die psychische Verfassung, aber auch in den historischen Kontext der Künstler:innen. Die mannigfaltigen Identitäten oder auch die Bruchstücke, der uns in Selbstbildnissen begegnenden „Ichs“, werfen den Blick zurück auf uns selbst, und erlauben uns, die Eigenwahrnehmung zu schärfen.

Von feisten Putti in barocken Fresken über athletische Helden als klassizistische Skulpturen bis zur Femme Fatale in symbolistischen Gemälden artikuliert sich der Akt in allen Zeiten als eine der beliebtesten Gattungen in der Geschichte der Kunst.

Verehrung, Idealisierung, Fetisch oder Erniedrigung – der Umgang mit dem nackten Körper ist immer mehrdeutig. Dies drückt sich auch in der mannigfaltigen Hinwendung der Künstler:innen des 20. Jahrhunderts zum Akt aus. Die Kunst der Gegenwart etabliert einen zunehmend kritischen Blick; sie hinterfragt voyeuristische Machtstrukturen und konterkariert normative Körperideale.

Spätestens seit Ende des 19. Jahrhunderts wandten sich viele Künstler:innen gegen die von Akademien vermittelte, technisch perfekte und sorgfältig ausgeführte Malerei. In ihren Augen führte eine virtuose Künstlichkeit dazu, sich vom Wesentlichen der bildlichen Darstellung zu entfernen. Neues konnte für sie nur entstehen, indem mit Traditionen und überlieferten Regeln gebrochen wurde.

Dafür entwickelte die Moderne neue Ausdrucksformen oder wertete offenere Formen auf, von der Skizze über die Collage bis hin zur Übermalung und Verarbeitung von Bildquellen aus Alltags- und Trivialkultur. Heftige Gesten, grelle Farben und provozierend ambivalente Formen wollen nicht mehr bedingungslos gefallen, sie betonen die authentische Darstellung von Lebenserfahrungen. Gerade jüngere Künstler:innengenerationen verweigern sich einer berechenbaren, maßvollen Ästhetik und sehen in kraftvollen, auch bewusst übertriebenen Ausdrucksformen ein neues visuelles Potenzial. Vielleicht wecken Zeiten eines umfassenden Optimierungsdenkens und zunehmend rationalisierter Alltagsabläufe auf ganz besondere Weise den Wunsch nach unangepasster Vitalität?

Die Anfänge der abstrakten Malerei im 20. Jahrhundert sind mit einem Interesse an der Ausdruckskraft von Kunst und der bewussten Abkehr von einer fortschrittsgläubigen Welt verbunden. In einer romantisch-naturphilosophischen Tradition suchten Künstler:innen, Quellen des Ausdrucks jenseits des Verstands zu aktivieren. Welche neuen Erfahrungen liegen außerhalb des Rationalen? Wie lassen sich verborgene, unterdrückte Energien und das Unkontrollierbare nutzen? Das Geistige, die Spiritualität und das Transzendente werden zu Zielen künstlerischer Produktion, Traum- und Fantasiewelten zu Leitmotiven.

„Kunst gibt nicht das Sichtbare wieder, sondern macht sichtbar“ – schrieb Paul Klee und fasste in diesem Satz den erhabenen, geradezu religiösen Anspruch künstlerischer Offenbarung zusammen. Die Idee eines metaphysischen künstlerischen Schaffens, das hinter die Oberfläche der Dinge blickt und universale Gesetzmäßigkeiten und Wahrheiten zum Ausdruck bringt, entwickelte eine außerordentliche Sogwirkung und Bedeutung.

Die künstlerischen Versuche, das Nicht-Sichtbare und Irrationale ins Bild zu setzen, sind vielfältig und oft mit der Frage nach den Ursprüngen von Kreativität verbunden. Wie entsteht Inspiration für künstlerisches Schaffen?

Wurde in der Kunst zunächst mit großer Ernsthaftigkeit an der Darstellbarkeit des Geistigen und Unterbewussten geforscht, lässt sich im Lauf der Jahrzehnte ein Wandel beobachten: Bereits in den 1920er Jahren treibt der Surrealismus ein mitunter ironisches Spiel mit der Entstehung und Auflösung von Formen und irritiert die Erwartungen der Betrachtenden. Ab den 1960er Jahren verbreitet sich eine kritische Haltung gegenüber der geistig-spirituellen Tradition der Kunstgeschichte. Der Vorstellung des geheimnisvollen, vom Geniegedanken
geprägten Ursprungs von Kunst und sogenannten übersinnlichen Phänomenen wird zunehmend mit Humor begegnet. Der Absolutheitsanspruch der menschlichen Vernunft wird entmachtet und der entscheidende Einfluss von Emotionen auf unser vermeintlich rationales Denken erkannt.

Wie funktioniert Kommunikation? Sind Sender:innen und Empfänger:innen einer Botschaft immer gleichberechtigt? Verstehen alle, die miteinander im Austausch sind, eine Nachricht auf dieselbe Weise? Und ist das entscheidend?

Kunst ist eine der ältesten Formen der Kommunikation, denn Künstler:innen kommunizieren mittels ihrer Werke mit der Umwelt. Durch die Verfremdung vertrauter Kommunikationsinstrumente, durch unkonventionelle Bildkompositionen oder überraschende Materialien können sie beim Gegenüber Gedanken und Diskussionen anregen und auf diese Weise zur Entwicklung und kritischen Reflexion der Gesellschaft beitragen. Auch das Museum stellt in seinen Ausstellungen den Dialog mit dem Publikum in den Mittelpunkt. Denn Kunst lebt vom Austausch mit der Öffentlichkeit. Durch genaues Hinschauen und Zuhören wird Kommunikation auch als ein Prozess der Aushandlung gegensätzlicher Meinungen, Missverständnisse und Widersprüche erfahrbar.

Sammeln, klassifizieren, sortieren, gruppieren, strukturieren – es ist ein grundlegendes Bedürfnis der Menschen, die Welt zu ordnen und in kategorisierbare Sinneinheiten einzuteilen. Auch in der Kunst werden Ordnungsstrukturen und wiederkehrende Muster sichtbar: Archive, Reihungen, Serien, Sammlungen und Zyklen spiegeln über die rein formale Ebene hinaus die Auseinandersetzung mit demokratischen und sozialkritischen Ansätzen. Dabei tritt neben den Willen, Information konkret darzustellen, auch der Aufruf, Ordnungssysteme zu hinterfragen und in freier Assoziation weiterzuentwickeln.

Metropolen wie New York City und Mumbai, aber auch kleinere Hafenstädte vielerorts sind nicht selten dicht besiedelte Regionen. Sie grenzen an gewaltige Ozeane oder beschauliche Bodden, die Skylines und Bauwerke liegen oft unmittelbar am Wasser – nur wenige Meter über dem Meeresspiegel. Laut Prognosen werden im Zuge der globalen Erwärmung schon in naher Zukunft signifikante Gebiete vieler Küstenstädte von Sturmfluten und Überschwemmungen betroffen sein. Erste Auswirkungen sind schon heute zu beobachten.

Das Künstlerinnen-Duo Haubitz + Zoche setzte die drohende Gefahr in New York und Mumbai bereits 2014/15 szenisch ins Bild. Aber auch ältere Werke der Kunstgeschichte werden angesichts aktueller Klimadebatten anders gelesen als zum Zeitpunkt ihrer Entstehung.

Das Betrachten von Kunst regt nicht nur unsere Augen an. Neben dem Sehen können auch andere Sinneswahrnehmungen aktiviert werden, so scheinen manche Bilder eine klangliche Atmosphäre zu erzeugen. Oft knüpfen sich Sinneseindrücke an raue oder glatte Oberflächen, geschlossene und offene Umrisse, lichte und verdichtete Farbeindrücke. Sie lassen akustische oder haptische Assoziationen entstehen, stimulieren den Geruchs-, vielleicht sogar den Geschmackssinn.

Das sinnliche Erleben von Bildern steuert unsere emotionalen Empfindungen, und lässt uns oft – bevor wir uns dessen bewusst werden – spüren, ob wir von einem Kunstwerk angezogen werden oder nicht, ob es uns beunruhigt oder kalt lässt, tröstet oder positiv stimmt.

Den realen Raum in die Bildfläche eines Kunstwerkes übertragen – oder genau andersherum: das Kunstobjekt in den realen Raum versetzen – bei den hier gezeigten Werken geht es um das Wechselspiel der Verhältnisse im Raum.

In einer selbstreflexiven Erforschung der Möglichkeiten von Malerei, Plastik und Fotografie steht nicht mehr das Schaffen von räumlicher Illusion im Mittelpunkt, sondern die tatsächliche Neukonstruktion von Körpern und Raum. Es wird sowohl bekanntes Formenvokabular ausgelotet als auch das Raumgefüge fragmentiert und neu angeordnet.

Das Verhältnis von Körper im Bildraum steht dabei immer auch als Metapher für das Bezugssystem, in dem sich reale Körper im Raum befinden. Gerade Werke, die dem Minimalismus zugeordnet werden, machen dieses Verhältnis erfahrbar. Sie dienen als Erinnerung daran, dass sich ihr Körper auf der gleichen räumlichen Ebene befindet, wie der der Betrachter:innen – im Hier und Jetzt.

KARLA basiert auf dem Gespräch mit einer Person, die für die weltweit größte Online-Videoplattform im Bereich der Content Moderation und Videoanalyse arbeitet. Aufgrund der inhaltlichen Brisanz bleibt die Person anonym: Das Gesagte wird von einer Schauspielerin eingesprochen und unter Nutzung einer Gesichtserkennungstechnologie aufgezeichnet. In der holografischen Projektion verwandelt sich das Gesicht allmählich in andere Charaktere unterschiedlichen Geschlechts, Alters und Herkunft.

Die sich ergebende multiperspektivische Berichterstattung macht auf die unzähligen Personen aufmerksam, die täglich den Abgründen des Internets ausgesetzt sind und stundenlang jene Inhalte, die von Nutzer:innen oder Algorithmen als gefährlich oder anstößig markiert wurden, überprüfen und gegebenenfalls von den Plattformen entfernen.

Der Leere und dem Abwesenden ein Bild zu geben, klingt nach einem Widerspruch in sich. Wenn Künstler:innen im kreativen Schaffensprozess Farbe auftragen, Werkstoffe formen oder die Kamera auf ein Motiv richten, scheint es doch in erster Linie um das Abbilden oder Darstellen von Etwas zu gehen. Übermalen, Auslassen oder Andeuten, fragile Momente des Übergangs oder Spuren vergangener Zeiten Erfassen – es sind die leisen Zwischentöne, die zum Klingen kommen, wenn Flüchtiges eingefangen wird.

Der Gegensatz aus Präsenz und Absenz erzeugt eine Spannung, die sich nicht allein innerhalb der Werke aufbaut. Zugleich wird spürbar, wie die Leere einen ganzen Raum füllen kann.

Was ist ein Kunstmuseum? Auf den ersten Blick ist es ein Haus voller Bilder, denen die Museumsbesucher:innen begegnen, ähnlich der zentralen Figur auf dem Gemälde von Peter Doig. Zu erleben sind dort Ausschnitte der Welt, die Künstlerinnen und Künstler auf jeweils eigene Art und Weise festhalten. Bei genauerer Betrachtung geht es jedoch weniger um die gerahmten Inhalte, sondern um die Gedankenräume, die sich in der Auseinandersetzung mit Kunst öffnen.

Die Kunst mit ihrer Fähigkeit, Grenzen zu überschreiten, oder wie im Fall von Dan Flavins Werk wortwörtlich über den Rahmen hinaus zu strahlen – ist das Thema dieses Raums. Unweigerlich damit verknüpft ist die eigene Wahrnehmung. Ob mit Vorwissen oder intuitiv, ob emotional oder intellektuell, die Erkenntnisse, die wir durch Kunst gewinnen können, sind so vielfältig wie die bunten Schattierungen, die das Leben bereithält.

In diesem Sinne lässt sich der Titel „House of Pictures“ nicht nur buchstäblich auf das Museum beziehen, sondern vor allem auf den Erinnerungsspeicher, den Resonanzraum persönlicher Erfahrungen, den jede:r mit sich trägt.